II. Época Medieval

Por:
José Hernán Elizondo A01193250
Mario Trujillo A01193222
Benedic Téllez A01193121

Alegorías del Buen Gobierno

Análisis Histórico: La pintura de Alegorías del Buen Gobierno cuenta con una larga historia en la humanidad. Ésta pintura resalta más en el tiempo en el que fue creada, la edad media. En 1338-1339 Ambrogio pintó lo que son consideradas sus obra maestras a las que se les fueron dadas el nombre “Alegorías del Buen y Mal Gobierno”. Alegorías del Buen y Mal Gobierno vienen siendo una recopilación de pinturas de este autor. Se cuenta que entre febrero 26 del año 1338 a mayo 29 de 1339, Ambrogio Lorenzetti fue iluminado y llegó a pintar varios frescos que después serian considerados obras maestras por los especialistas en la materia. Entre las obras que recibimos de Ambrogio Lorenzetti, la pintura que más me nos llamó la atención, fue la del fresco de Alegorías del Buen Gobierno. La pintura de Alegorías del Buen Gobierno se encuentra localizada ahora en el museo de el Palacio Público de Siena. Los frescos de Ambrogio Lorenzetti ocupan tres paredes con una longitud alrededor de 9 metros.  

Los frescos de Lorenzetti siempre han sido estudiados por los críticos y fanáticos del arte;  los especialistas no solo observan a detalle cómo es que Ambrogio Lorenzetti llegó a pintar esta recopilación de frescos, si no que también observan el pensamiento político, la planificación urbana, las costumbres que se tenían en aquellas épocas, entre otras cosas. La pintura de Alegorías del Buen Gobierno nos plasma la historia de cómo es que vivían ciertos grupos sociales en dichos lugares, aunque también podemos observar cómo es que la realeza y los sacerdotes los pueden observar en tronos de oro y arriba de todos los demás y cómo es que las personas comunes y corrientes, en este caso los plebeyos, están debajo de todos de un tamaño minúsculo en comparación a la realeza y los servidores de la iglesia.  Finalmente podríamos llegar a la conclusión que la recopilación de “Alegorías del Buen y Mal Gobierno” inspira a artistas y críticos a lo largo de todo el mundo y que claramente es una de las pinturas más inspiradoras de la época medieval, y que desde esa época se trataba de convencer a la gente de los que daban un buen gobierno y a los que se les debía de venerar y celebrar, y de los que no daban un buen gobierno y se les debía reprochar.

Análisis Crítico: En esta pintura podemos observar una de las obras maestras del pintor Ambrogio Lorenzetti, que nos cuenta la historia de cómo es que vivían los oficiales del gobierno, celebrando la autoridad del poder siempre sujetos a un gobierno justo y sabio, donde todo el mundo debería de pensar en el bien de los demás, siendo leal y fiel hacia las leyes divinas, así como a las humanas. 

En esta pintura nombrada  Alegorías del Buen Gobierno aparece representado a la derecha de la pintura un anciano de barba blanca que sostiene en su mano derecha un cetro y en su mano izquierda se encuentra sosteniendo un escudo de color dorado.

En la cabeza del anciano podemos observar una corona; él viste de una toga blanca y se encuentra sentado en un trono magnifico. Uno de los datos más importantes en está pintura es que el anciano se encuentra apoyando sus pies sobre los hijos del fundador de Siena,  Aschio y Senio. 

Encima de este personaje podemos observar 3 ángeles, estos ángeles representan varias cosas que pueden ser entendidas si es que ves la pintura con lógica. La fe se encuentra con una cruz entre sus manos, la claridad trae una flecha en la mano derecha y un corazón ardiente en la mano izquierda, esto simboliza el supremo amor. Finalmente podemos observar la esperanza, que llega a contemplar el rostro de Cristo. En ambos lados de esta pintura se puede admirar 6 figuras, conocidas como las virtudes cívicas. Del lado izquierdo del cuadro se encuentra la paz, se puede observar medio recostada sobre un montón de rocas de corazas y porta ropa de color blanco, también se encuentra con un ramo de olivo. La fortaleza se puede observar completamente armada de actitud de defensa de la ciudad, ésta sostiene un cartel con el mensaje pasado, presente y futuro. La magnanimidad sostiene en sus muslos una canasta llena de monedas de oro. La templanza se encuentra con un reloj de arena que llega a simbolizar la paciencia.  Por último, la justicia mantiene en su rodilla una cabeza cortada y una corona, que simboliza que a veces castigas y otras premia, también en su mano derecha se encuentra empuñando una espada, símbolo de su implacabilidad.

Ahora bien, predominan en la pintura los tonos oscuros; el color que más se aprecia es el azul ultramar, o séase, tonos fríos, la mayoría oscuros, y la ropa de los de abajo, que son mayoría, también se aprecia más oscura. Se aprecian tanto líneas curveadas como rectas, y debido a la posición de toda la gente de abajo, se puede decir que la obra está llena de elementos verticales.

Hay un balance en cuanto a los elementos, ya que hay elementos en el aire tanto del lado izquierdo como del derecho, hay gente bien dispersada en todo el piso, y también se puede decir que hay armonía en todos los elementos de abajo que crean un orden semejante, lo que también podría considerarse como ritmo en la obra. La proporción es correcta, aunque no se muestra ni mucho movimiento, ni mucha perspectiva tridimensional.

Creemos que el mensaje era demostrar cómo se debía de venerar a las autoridades o al clero, y cómo éstos, que eran minoría, estaban tan cerca de los Dioses y de los ángeles. Sí la consideramos como una obra valiosa, debido a que sigue las teorías del formalismo, y debido a que forma parte de la obra maestra de éste pintor, y demuestra eficientemente elementos plenos de la época en la que se hizo.

La Catedral de Ávila

Análisis Histórico: Antes de que la catedral existiera había una pequeña iglesia mozárabe que antes había estado abandonada por más de 300 años  y de ahí Raimundo de Borgoña, el padre del rey Alfonso VII, mandó construir esta catedral que se encuentra en España, por medio de los arquitectos: Alvar García, Giral Fruchel, Juan Guas, Lucas  Giraldo, y Juan Rodríguez principalmente, aunque se tiene claro que ha habido muchas modificaciones en transcurso de la creación de la obra arquitectónica con el tiempo. El fin de esta construcción era que sirva como una fortaleza o un templo, y por eso era considerado como un edificio religioso y militar al mismo tiempo: “la cruz y la espada”. Fue la primera catedral gótica en España y se construyó aproximadamente en los siglos XII y XV pero a través de esos años los diferentes arquitectos dejaron de utilizar el estilo románico y poco a poco fueron añadiéndole elementos góticos.

Se cree que Fruchel fue la persona que construyó la parte vieja de esta catedral. También se dice que esta catedral tiene una gran historia ya que muchos eventos importantes pasaron dentro de ésta, tales como la junta de los comuneros antes de su levantamiento contra Carlos I. Lo primero en construirse fue la cabecera desarrollando su hemiciclo fuera de la tela, y junto a esta está un cimorro (una torre). Segundo, se construyó el crucero y ahí fue en donde sufrió su primera modificación para el estilo gótico en donde se aumentó la profundidad del presbítero con el fin de dar cabida al coro causando que se haya aumentado el deambulatorio de dos capillas y es así como terminó siendo una girola de nueve capillas.

Después  surgió el primer cuerpo de las naves con el pórtico y torres, teniendo todas las capillas terminadas (en el siglo XIII). Y finalmente, por un tiempo las obras se paralizaron. Esto fue quizá por la muerte del arquitecto Fruchel o por el desastre de Alarcos, pero después la continuaron por el siglo XIV con los detalles que faltaban para finalmente acabarla en el siglo XV.

Análisis Crítico: La catedral de Ávila tiene tres naves con cuatro tramos, un amplio crucero triple, una girola sencilla con siete capillas excavadas en el grueso muro del ábside,  y capillas radiales. Tiene un elemento que se considera del estilo romaico, la cabecera y partes de los muros orientales del crucero; ésta, está constituida por un ábside interior que está formado por dos tramos más paralelos y rectos. Alrededor de ésta corre una girola de dos naves y el exterior de la cabecera es circular, lleva nueve capillas circulares inscritas. Esta catedral está hecha como si fuera un castillo pero tiene muchas características que lo hacen un templo del estilo gótico como. La verticalidad, el arco apuntado hacia arriba para estar más cerca de dios, la inmensa puerta  que hace sentir al hombre pequeño hacia dios, todas las gárgolas (o leones) que están alrededor de la iglesia arriba de pequeños pilares, la luminosidad de las ventanas  que nos señala que dios es la luz del camino. 

En las cinco capillas centrales exteriores, había unas ventanas alargada, pero después se realizaron el ábside poligonal con tres cuerpos.  También podemos apreciar en la torre de la catedral que en el interior de la sala de campanas hay un pilar que sirve de soporte. Aparte, la catedral contiene 7 campanas que por cierto están ubicadas alrededor de la catedral y dos más que se encuentran juntas cerca del centro, sobre la torre. Además, podemos observar todas las esculturas que están en el templo y cómo es que están tan bien hechas, con la imagen de los apóstoles, sobre la iglesia. También podemos notar que en el techo hay dibujos como un sol que se ve, un escudo, además de los arcos de comunicación (que así se les decía). Por último, podemos ver que la catedral tiene muchos aspectos y características que resalta el estilo gótico, por lo que la consideramos una obra bastante valiosa, ya que a esto se le añade su gran magnitud, la grandeza y la dificultad con la que fue construida, los detalles que tiene, y a los usos que le dieron en aquella época, tanto para su religión como para batallas.

"Biografia De Ambrogio Lorenzetti." Biografia De Ambrogio Lorenzetti.Web. 7 Mar. 2014.
"Arte Gótico." Historia Del Arte. Web. 11 Mar. 2014.
"CATEDRAL ÁVILA." CATEDRAL ÁVILA. N.p., n.d. Web. 12 Mar. 2014. 

<http://www.arteguias.com/catedral/avila.htm>.

"Catedral De Ávila." Naturaleza Y Turismo. N.p., n.d. Web. 12 Mar. 2014. 

<http://www.asturnatura.com/turismo/catedral-de-avila/2918.html>.

"Catedral De El Salvador - ÁVILA (CASTILLA Y LEÓN)." Catedral De El Salvador - ÁVILA (CASTILLA Y LEÓN). N.p., n.d. Web. 12 Mar. 2014. <http://campaners.com/php/catedral.php?numer=120>.

Visita Cultural

En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de apreciar una obra de teatro, en una sala experimental del Teatro de la Ciudad de Monterrey, traída por una producción colectiva, con el apoyo de CONARTE y CONACULTA. El boleto normal rondaba por los $60 pesos, pero si se demostraba que se era estudiante, te dejaban el boleto a $40, algo que realmente era de aprovechar.

Ahora bien, la obra tenía por nombre Riñón de Cerdo para el desconsuelo, de Alejandro Ricaño, y su dirección estaba a cargo de Alba Liz Gómez. Tenía dos personajes, que son los principales, Gustave, interpretado por Óscar Treviño, y Marie, interpretado por Nathalia Saucedo.

La trama de la obra es sobre una pareja, que a lo largo de la obra como que trata de evitar que uno necesita del otro, pero que a la vez son como que dependientes el uno del otro. Marie, la mujer, sí demuestra su amor hacia él, pero éste asegura que amaba a otra mujer, y que Marie no era su musa, que él no la necesitaba para escribir, aunque en realidad después se da cuenta que él, siendo un escritor francés que constantemente fracasaba, no logra escribir si no está ella. Es época de guerra, y hay un hombre irlandés al que por el contrario, le iba muy bien en la escritura, se había casado con una muy hermosa mujer que después se volvería loca, y estaba escribiendo un texto que Gustave se propuso mejorar.

Cuando el irlandés, que por cierto nunca sale en la obra, no estaba en su casa, Gustave iba y sacaba el texto para hacerle unos ajustes, y después regresarlo. Cuando el irlandés salía con una mujer, Gustave lo vigilaba, y aseguraba que lo cuidaba. Se preocupaba cuando el irlandés estaba agripado, e incluso se llega a mudar varias veces para estar más cerca de él. Hasta que los hechos cambian, Marie y Gustave se enteran que la guerra va a empezar, y el símbolo o leit motiv que se presenta en la obra, es el riñón de cerdo, ya que en un principio, después de haber perdido un concurso de escritura, quieren comer riñón para sentirse un poco mejor; luego, cuando se cumple un año de haber pasado algo, quieren celebrarlo con riñón; cuando ven que el irlandés estaba afuera, en la nieve, congelándose en el parque por no tener hogar, Gustave y Marie le hacen riñón, y le preparan un abrigo, aunque al final Gustave haya caído en el orgullo y no le haya dado nada. Pero finalmente, Gustave logra modificar la obra muchísimo, al punto de que ya tenía una trama completamente diferente, y el irlandés nunca llega a darse cuenta de éste autor anónimo que era Gustave. Cae un poco en la locura Gustave, mata a un americano creyendo que así estaba defendiendo al irlandés, luego la novia del irlandés también muere porque lo estaba engañando con el americano, y al final Gustave sufre las consecuencias, es condenado a morir, y Marie no puede hacer nada.

Desde la cárcel, Marie trata de ayudarlo, le miente sobre que el texto que él había modificado se iba a convertir en obra, le miente sobre un director que la iba a llevar a cabo, pero resulta que después ella logra que esto se haga realidad. Y, sobre el texto, trataba sobre dos hombres que se encontraban en un lugar, ambos esperando algo, que finalmente nunca llegaba, algo que a Marie le parecía estúpido. Cuando se entera que el texto se haría obra, Gustave manda a Marie a que supervise los ensayos, a que introduzca a actores que interpretarían bien la obra, hasta que se llega el día. Marie visita a Gustave, y le da la noticia de que la obra ya tenía fecha de presentación. Lo malo, es que Gustave también tenía ya fecha de muerte, y ésta era un día antes del de la obra. Marie no logra ver el ensayo final, pero va a visitar a Gustave, que parecía ya loco y que antes había ya intentado matarse. Ambos se muestran tristes, pero resignados… Ella no será nada sin él, y el finalmente la abraza; ambos esperan… Pero no saben lo que esperan; ella le llevó riñón, pero no lo comen, y así, finalmente, concluye la obra; nunca llega lo que estaban esperando…

Lo que más nos gustó fue el entusiasmo de los personajes, especialmente de Gustave, ya que sus gritos, su énfasis en ciertas palabras le daban un toque bastante interesante, bastante entretenido, y además, el lugar estaba muy ad hoc, pequeño, había pequeños elementos padres como la mesa, como las especies de ventanas que se muestran en las imágenes y que estaban colgando del techo; y también nos gustó el tema de la obra, la duración y todo.

Otras características que se mostraban aparte de éste símbolo, son la estructura temporal, que era cíclica,  o circular, debido a que empezaba en algo, se regresa para contar algo, y vuelve a presentarse el momento en el se había iniciado, pero ahora para concluir. Los personajes eran profundos, mostraban muchos sentimientos y se sabía lo que pensaban, podías darte una idea de cómo iban a actuar, y además, utilizaban un lenguaje actual, comprensible, al cual se le sumaban groserías que no la hacían vulgar, sino más real y más entretenida. Además, en cuanto a iluminación, cuando era de día, las luces que enfocaban a ambos personajes eran amarillentas, mientras que cuando era de noche, las luces eran azul obscuras. A esto se añadía el elemento de un proyector, que le brindaba más elementos visuales, y que te daba una idea de los lugares que recorrían ambos, ya que se proyectaba en una pared bastante visible.

Creemos que para un análisis de alguna obra como esta, sería mucho más conveniente que sea uno crítico, ya que la historia, aunque era en épocas de guerra, no influye tanto en la temática ni en la trama de la obra teatral, y en cambio, sí se puede analizar críticamente el lugar, el espacio, los personajes, los diálogos, y por ende, el crítico sería más eficiente.

Les agradecen,

Mario Trujillo

Hernán Elizondo, y

Benedic Téllez